Tiempos intensos, Tiempos dificiles

Pintura en N.Y 1967-1975

Pintura en N.Y 1967-1975

La exposición es sobre los nuevos medios artísticos que surgieron en N.Y entre 1960 y 1970 ante el desgaste de las corrientes anteriores para romper con los formalismos de la pintura de los 50. Por medio de nuevas formas de producción creando atención en el video, el performance, como ejemplo tenemos la obra de Linda Belglis la cual, utiliza el latex y pigmento como Blatt, transporta la pintura de muro hacia el piso con un carácter performico o el arte conceptual con la obra del artista Blinky Palermo Blue triangle, crea bocetos del triangulo azul y los pasos que se deben seguir para pintarlo en su casa, la tridimensionalidad incorporando la practica pictórica sumandose a sus conceptos los movimientos sociciales como el movimiento a favor de los derechos civiles, protestas contra la guerra de Vietnam Ree Morton con su obra stretcher piece a través de lienzos rasgados nos ilustra su visión del conflicto en vietnam (1971-1973), el feminismo, la liberación homosexual, el uso de sustancias psicotrópicas para la realización de obras como la obra de Alan Shields, put a name on it please es una solución perfecta de tiras de plástico suspendidas para colocarse en casas circulares sin muros, esta pieza formaba parte de el domo geodésico del arquitecto Buckminster Fuller, una nueva idea arquitectónica que planteaba una forma distinta de vivir. Dan Christensen utilizaba la pistola de aire como técnica pictórica. A finales de los 70 empieza la era gestual se vuelve a utilizar el lienzo Guy Goodwin, al igual que Mary Heilmann, utiliza una gama tonal primaria que nos hace recordar a los fovistas.

La muestra nos da un recorrido por varias vertientes artísticas de una década muy importante en el arte, nos hace ver como empieza la expansión e incorporación de instalación y performance que hoy en día son tan populares en el medio artístico, es interesante saber como surgieron esas ideas novedosas, que siguen imperando hoy en día nos abre el panorama visual y creativo en el que vivimos, aunque las diferencias ideológicas son muy grandes, como el compromiso social es sustituido por el individualismo hedonista y cínico.
Nos deja ver la búsqueda de los artistas, como renovaron tanto en los conceptos y materiales dejando atrás a los 50, como logran interactuar con el espectador y el espacio arquitectónico vinculando estos elementos para elaborar un concepto lúdico y fresco. Vemos como el cine en los 70 llega a ser tan popular; que llega a dominar la experiencia visual de la década, es por eso que la cámara se convirtió en una herramienta artística, así como la pistola de aire remplazó al pincel, buscando imitar la velocidad los efectos ópticos, utilizando pintura metálica y la retracción lumínica; como a principios de siglo lo hicieran los vanguardistas con la aparición del tren y la cámara fotográfica. Al compararlo con nuestro tiempos es como la televisión, el rock, el internet y claro como la publicidad cautivan e imperan en la realización de obras en nuestro panorama visual.
Con una curaduría limpia y sintética, nos deja comprender el largo recorrido de esta década, esta exposición nos ilustra y nos deja pensando en los problemas creativos que vivimos hoy en día, en lo importante que fueron estas décadas para el arte conceptual.

+ información www.museotamayo.org/museo.htm

SUper Propuesta CuRatorial !!!

BIG BANG! ABSTRACT PAINTING FOT THE 21ST CENTURY
Joyce and Edward Linde Gallery, James and Audrey Foster Galleries, Fourth Floor Hallway Gallery, Grand Staircase, First and Third Floor Lobbies
January 20 – April 22, 2007 (opening reception Friday, January 26 from 6 - 9 pm)

Sarah Slavick, Transposition 5

By the end of the last millennium, the art of abstract painting had been almost universally dismissed as irrelevant at best, and expired at worst. But now, at the beginning of the twenty-first century, abstract painting is back with a bang – a Big Bang ! This term, cosmologically speaking, refers to the moment approximately 13.7 billion years ago that our universe explosively emerged from an unimaginably hot and dense point. Used here metaphorically, Big Bang! describes the current aesthetic explosion in which a new generation of artists is reinvigorating abstraction with paintings formally and conceptually relevant to many of the great intellectual concerns of this new century.

DeCordova Museum ’s upcoming exhibition Big Bang ! A=bstract Painting for the 21 st Century , heralds the revitalization of non-objective painting for a new century. This thematic group exhibition features works by artists whose imagery is informed by contemporary issues such as computer technology, cosmology, quantum physics, information theory, genetics, complexity theory, remote sensing, and other sets of current scientific visual languages. The paintings in Big Bang ! surge with energy, explode with color, and immerse viewers in parallel universes of stunning visual experience and sheer imagination. And despite the insistent references to science and the digital world, each artwork is completely painted by hand, bringing together cutting-edge and age-old visual technologies.

Big Bang! brings together fifteen artists who reside in the Northeast (mostly New England ). They have created post-Postmodern paintings, visually complex and compelling, grounded in ideas that transcend art making and the art world to encompass everything: the universe, the mind, the sciences, the imagination, and the structures that connect them all. In Big Bang!, scale is unmoored. As the artists explore the very huge and the very tiny – often simultaneously – galactic and subatomic worlds oscillate. Paintings range widely in size, often within the oeuvre of a single artist. In this exhibition, seven-inch square paintings appear in proximity to canvases over ten feet wide. In other works, artists blast off from the painting itself to spread imagery across the surrounding walls, in installations that include painted three-dimensional objects



The featured artists in Big Bang! are:


Peter Barrett
Thaddeus Beal
Steven Bogart
Sean Foley
Reese Inman
Clint Jukkala
Julie Miller
Meg Brown Payson
Jon Petro
Cristi Rinklin
Terry Rose
Sarah Slavick
Laurel Sparks
Barbara Takenaga
Sarah Walker

ParA vEr lA ObrA y + InfoRMAciON
www.decordova.org/decordova/exhibit/2006/bigbang.html

GLORIETA, MUESTRA DE VIDEO SOBRE LA CIUDAD

Exposición que se presenta en el ex--teresa es una muestra de video-arte, en donde diferentes artistas dialogan con la ciudad, hacen un recorrido por sus calles, por los códigos de identidad, juegan con los colores y los diferentes escenarios , nos deja ver la pluralidad cultual, el movimiento de masas; ya sea por sus plazas o por el río vehicular, nos deja conocer a uno que otro personaje desde una perspectiva muy peculiar desde la visión de un simple juego de imágenes con un calidoscopio hasta la animación de los árboles en un paisaje urbano como animales salvajes sin control. Teniendo los contrastes de diferentes ciudades desde el puerto de Veracruz, hasta Sau Paulo, Tokio, NY , Berlín entre otras; con toda esta pluralidad cultural podemos ver la riqueza de la ciudad de México, desde su arquitectura, su colorido, su gastronomía y por su puesto su gente, nos muestra como podemos dialogar, intervenir, profundizar, analizarla y no acabaríamos de conocerla, ya que todos los recursos que esta ciudad nos puede ofrecer son innumerables.

La propuesta curatorial (Chloé Fricout, París, Francia 1983),Progreso y retroceso; La extracción de un código; Lenguajes; Sinécdoques; Gris vs Verde; Tipos y personajes callejeros; La multitud y uno; hace que el artista tenga la posibilidad de descontextualizar la ciudad y sus códigos proponiendo fragmentos desde su propia realidad.

De los videos + interesantes en mi opinión fueron los de Marco casado, Héctor Falcón, Gabriel Acevedo Velarde, Guillermo Chávez Terrez, Jinetes Sampleadores de Im@genes, Mauricio Limón, el colectivo integrado por Luciana Solórzano, Alejandro Ramírez y Fernanda Martínez.

Visitas de lunes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Del 8 al 17 de junio 2007
Entrada Gratuita
Ex Teresa Arte Actual
Licenciado Verdad 8 Centro Histórico
A un costado de Palacio Nacional
Metro Zócalo. Entrada a Licenciado Verdad por la calle de Moneda

Cuantos colores y yo sin podermelos comer!!!

JUICIOS INSTANTANEOS : nuevas posturas en la fotografía africana contemporánea.

Es una exposición completa en donde el curador Okwui Enwezor nos muestra una gama de artistas en su mayoría aficionados, que nos presentan una África que poco tiene que ver con el hambre, la pobreza, sida y problemas tan conocidos por occidente.
Al contrario, nos deja ver un continente de miradas peculiares que fotografían una realidad que nos habla de la identidad de sus pueblos, de la mano trabajadora, de la religión, de una África moderna en donde la gente sale a trabajar con todo y los problemas políticos y sociales, de cómo la juventud se divierte en el camión en una especie de fiesta hacia sus destinos que es, más bien un transporte colectivo urbano lleno de luces, en donde se toca la música de moda para atraer a su publico. Es ahí donde vemos un aire nuevo que deja atrás el pesimismo y fatalismo que la prensa internacional nos da siempre como referencia de estos pueblos, claro que no podemos vendar nuestros ojos y ver el estado de marginación en los que se vive, pero en esta exposición se presentan de una manera digna.

En mi opinión la exposición nos da un panorama social amplio y explicito de la vida diaria de una África nueva, pero su valor artístico deja mucho que desear; el hecho de que haya tanta oportunidad para fotógrafos que apenas se estén formando hace que la fotografía cuente con poca calidad. Pero es una buena manera de conocer otra forma de vida y las diferentes perspectivas de los artistas africanos.

Está exposición se encuentra en el Museo Tamayo del 14 de febrero al 6 de Mayo.
+ información www.museotamayo.org.

MACO

MACO ES LA FERIA DE ARTE CONTEMPORANEO DE LA CIUDAD DE MEXICO. DEL 25 AL 29 DE ABRIL.
LES RECOMIENDO VISITAR MACO PARA ENTERARCE DE LA TENDENCIA ACTUAL DEL MEINSTREAM Y POR SI TIENEN PENSADO COMPRAR UNA OBRA DE ARTE.
SI LA VISITAN ME GUSTARIA SABER SUS COMENTARIOS.
LA INAUGURACION ES EL 25 DE ABRIL DESDE LAS 6pm.
ESTUDIANTES $50
GENERAL $70
INFORMACION EN www.macomexico.com

Eero Aarnio

Fantasías del Pop. El diseño de Eero Aarnio muestra diversos objetos creados durante 40 años de trabajo del diseñador finlandés Eero Aarnio (1932). Incluye piezas que en la actualidad se consideran íconos del diseño contemporáneo: asientos de uso múltiple, mesas, sillas, taburetes, lámparas y muebles públicos. En total unas 50 piezas.

La exposicion es pequena pero tiene las piezas clasicas, y se pueden divertir como enanos ya que es interactiva.

RECOMENDACIONES FEBRERO

FANTACIAS DEL POP. EL DISEÑO DE ERERO AARNIO.
Se presenta en el MUSEO FRANZ MAYER DEL 25 DE ENERO AL 15 DE ABRIL
mAS información en www.franzmayer.org.mx

DAVINCI Unplugged
Visitas guiadas
gratuitas a la exposición Leonardo y la música
Disfruta de la exposición de la mano de un experto y escucha los inventos musicales que diseñó da Vinci - Martes a viernes 14:00 y 16:30 horas - Sábados y domingos 12:00, 13:00, 14:00 y 16:30 horas - Actividad gratuita con boleto de acceso al museo - Informes en Servicios Pedagógicos Tel. 57.89.25.05
mAS información en www.sanildefonso.org.mx

PERSIA: FRAGMENTOS DEL PARAISO
TESOROS DEL MUSEO NACIONAL DE IRAN
Se presenta en el Museo Nacional de Historia
mAS información en www.mna.inah.gob.mx

MUSEO TAMAYO

GEOMETRIAS INESTABLES
REVISION DEL ACERVO DEL MUSEO TAMAYO ARTE CONTEMPORANEO
Les recomiendoo visitar esta linda revison del museo contiene obras clasicas de los 60 y 70 de artistas europeos y latinoamericanos, que nos dejan ver la vision de aquellos a;os.
ARTE Y CUERPO
REVISION DEL ACERVO DEL MUSEO TAMAYO ARTE CONTEMPORANEO
Otra muy buena muestra de pintores del siglo xx que nos dejan recordar sus buenos a;os, como Picasso, Bacon y claro Tamayo entre muchos otros.
En unos dias tendran una rese;a mas solida. lo prometo.

GABRIEL OROZCO

Exposición, curada por Patrick Charpenel, en la que se exhiben alrededor de 140 piezas provenientes de museos y colecciones particulares de México, Estados Unidos, Brasil, Puerto Rico, España, Francia, Suiza, Inglaterra, Bélgica e Italia. Abarca desde el inicio de su carrera hasta su obra más reciente, en la cual vemos su trayectoria en el arte contemporáneo a través de pinturas, dibujos, esculturas, fotografías e instalaciones.


“En los primeros trabajos realizados a principios de los años ochenta, Gabriel Orozco se replanteó la función de los materiales de producción y su relación con el espacio; esto con la idea de desmaquillar la obra de arte de toda la ornamentación y de la suntuosidad de que es objeto. De esta manera se enfocó en una de las funciones básicas de la expresión artística, que consiste en evocar la fuerza que se establece entre los materiales y su contexto, entre el objeto y el significado. Con esto, a través del objeto artístico, se obtiene una experiencia directa con el entorno inmediato, sin las categorías, ya preconcebidas, del arte tradicional.”

La Sala Nacional es una de las mas interesantes; ya que podemos ver piezas clave del trabajo de Orozco, que por su contenido conceptual y visual crean tensión en el espectador como el cráneo dividido reticularmente (Papalotes negros, 1997), como la semi-circunferencia dibujada con los brazos extendidos sobre la pared blanca (Estela, 2005), así como el corazón de barro formado por la presión de las manos del artista (Mis manos son mi corazón, 1991), vemos aquí su trabajo con el cuerpo humano, el uso de la geometría y la experimentación materica, estas piezas nos dejan una sensación lúdica. Podemos encontrar también cuatro mesas de trabajo presentadas por primera vez en esta exposición, que constituyen un muestrario de los experimentos realizados en distintos periodos, en los que el paso del tiempo deja su huella en el conjunto de objetos coleccionados, conformando una selección de obras conservadas como testimonio de sus investigaciones, que resulta solo un recuento de objetos curiosos.

El pabellón de madera presentado en la Bienal de Venecia de 2003 (Sombras entre aros de aire), se encuentra ubicado en la Sala Diego Rivera en la cual la recreación de esta pieza arquitectonica resulta fría y ajena ya que el espectador no tiene conexión con la obra.

Una de las piezas mas interesantes; que deja ver su fina sensibilidad y el uso limpio y simple de los objetos cotidianos es Mi mano es la memoria del espacio (1991). Sobre una superficie amplia se extiende un abanico conformado por miles de tabletas de madera que se usan como cucharitas desechables, representando la mano abierta del artista se exhibe en la Sala Rufino Tamayo.

La Sala Jorge González Camarena reúne una selección de los diferentes rumbos que ha seguido la obra sobre papel de Gabriel Orozco. Desde boletos de avión hasta fotografías recortadas, su exploración gráfica también se acerca a nociones de lo escultórico. Por primera vez se presentan estos cuadernos, que desde 1991 conforman 15 volúmenes que contienen sus notas de trabajo cotidiano.
Aunque es interesante ver la forma en que trabaja un artista, no cabe duda que la sala resulta tediosa, por la cantidad de cuadernos de trabajo, hubiera bastado con dos o tres, para darnos cuenta en la forma que plantea y ordena sus ideas de forma metódica que revela su pensamiento meticuloso y racional.

En la Sala José Clemente Orozco nos podemos percatar que Orozco tiene un ojo muy curioso, ya que se exhiben un conjunto de fotografías en las que se puede encontrar en sus imágenes una intención lúdica, fresca, con una sensibilidad peculiar que nos mantiene cautivos por la simplicidad de la imagen.
La selección de terracotas son piezas interesantes ya que nos deja apreciar su visión sobre el espacio y la materia que dan la sensación de estar observando objetos arqueológicos.


Podemos ver su más reciente serie de pinturas geométricas, en la Sala David Alfaro Siqueiros sobre madera con hoja de oro bruñida, donde se pueden apreciar composiciones abstractas en las que un conjunto de círculos interceptan los ejes que dividen la superficie, tal es el caso de Árbol de Samurai 2C (2006), Árbol Indio (2006) y Psycho tree (2006).
Las cuales, me hacen pensar en la obsesión de Gabriel Orozco en relación al circulo, sin duda no se puede negar que son obras con una excelente técnica y sustento conceptual, pero la verdad resultan monótonas y cansadas que recuerdan al arte geométrico que hicieron muchos artistas en los años setenta.

Por ultimo en la Sala Justino Fernández presenta unas esculturas en poliuretano llamadas espumas, las cuales flotan inertes envolviendo al visitante por la singularidad del objeto remitiéndonos a huesos encontrados de algún mamífero en una salina.

En esta exposición retrospectiva podemos darnos cuenta que Gabriel Orozco sabe manejarse muy bien en el maistream tratando de crear obras que encajen con la tendencia, teniendo una profundidad conceptual bastante ambigua entre la ironía y el sarcasmo. Nos deja ver esa sensibilidad lúdica, cínica que sin duda le da una frescura a sus obras y junto con su simplicidad racional crea un arte conceptual que se refleja las cuatro mesas de trabajo que se presentan en la Sala Nacional.
En general la exposición resultaincompleta ya que tratándose de una exposición retrospectiva; faltan piezas claves como el Citroën DS, la mesa de Ping Pond Table (1998). En lugar de exhibir sus 15 libros de trabajo, que resultan ser solo el reflejo del pequeño ego del artista.
Al comparar esta exposición con su retrospectiva que tuvo en el Museo Rufino Tamayo 2001, la anterior resulta una muestra mas completa e interesante.